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10 Canciones de rock dedicadas al trabajo

canciones de rock dedicadas al día del trabajo


El rock siempre ha sido un género que refleja las luchas y las realidades de la clase trabajadora. A lo largo de la historia de la música, numerosas canciones han capturado la esencia del trabajo, desde sus desafíos hasta sus triunfos. 

En este artículo, exploraremos diez canciones emblemáticas del rock que son ideales para conmemorar el 1 de Mayo, Día Internacional del Trabajo. 

Lista de canciones de rock para celebrar el Día del Trabajo

1. "Working Class Hero" - John Lennon | Álbum: "John Lennon/Plastic Ono Band" (1970) 


Esta canción de John Lennon ofrece una mirada cruda a la experiencia de ser un héroe de la clase trabajadora. Sin embargo, su letra provocativa y crítica no estuvo exenta de controversia. La canción fue censurada en algunas estaciones de radio debido a su lenguaje directo y su llamado a la rebelión contra el sistema. 

2. "Money for Nothing" - Dire Straits | Álbum: "Brothers in Arms" (1985) 

"Money for Nothing" es un himno sarcástico que critica la industria de la música y la percepción pública de los músicos como meros "trabajadores manuales". La canción generó controversia por el uso de la palabra "maricón" en su letra, lo que llevó a su censura en algunas estaciones de radio y MTV. 

3. "9 to 5" - Dolly Parton | Álbum: "9 to 5 and Odd Jobs" (1980) 

Aunque más asociada con el country que con el rock, "9 to 5" de Dolly Parton captura perfectamente la rutina diaria y las luchas de la vida laboral. La canción fue un éxito instantáneo y se convirtió en un himno para aquellos atrapados en trabajos de 9 a 5. 

Sin embargo, su mensaje de empoderamiento femenino y crítica a la burocracia corporativa también enfrentó críticas y censura en algunos lugares conservadores. 

4. "Factory" - Bruce Springsteen | Álbum: "Darkness on the Edge of Town" (1978) 

Bruce Springsteen es conocido por sus letras honestas y emotivas que retratan la vida de la clase trabajadora estadounidense. "Factory" es un ejemplo perfecto de esto, con su narrativa sobre la monotonía y las dificultades de trabajar en una fábrica. Aunque no fue censurada en su momento, la canción sigue siendo relevante hoy en día para aquellos que luchan por encontrar significado en su trabajo. 

5. "The River" - Bruce Springsteen | Álbum: "The River" (1980) 

Otra obra maestra de Bruce Springsteen, "The River", narra la historia de un hombre que trabaja duro en una fábrica y lucha por mantener viva su relación a pesar de las dificultades económicas. La canción aborda temas de sacrificio, responsabilidad y el constante desafío de equilibrar el trabajo y la vida personal. 

6. "Take This Job and Shove It" - Johnny Paycheck | Álbum: "Take This Job and Shove It" (1977) 

Con un título directo y una actitud rebelde, esta canción de Johnny Paycheck se convirtió en un himno para aquellos que estaban hartos de sus trabajos. Aunque no fue censurada, su mensaje de descontento laboral resonó con muchos trabajadores y se convirtió en un himno para aquellos que soñaban con dejarlo todo. 

7. "Factory Girl" - The Rolling Stones | Álbum: "Beggars Banquet" (1968) 

"Factory Girl" es una canción folk-rock de los Rolling Stones que retrata la vida de una chica que trabaja en una fábrica y las dificultades que enfrenta en su vida cotidiana. Aunque no fue censurada, la canción ofrece una perspectiva única sobre el trabajo desde la mirada de una mujer. 

8. "Allentown" - Billy Joel | Álbum: "The Nylon Curtain" (1982) 

Esta canción de Billy Joel cuenta la historia de la ciudad de Allentown, Pensilvania, y su lucha económica después del declive de la industria manufacturera. La canción fue bien recibida por su honestidad y su representación de las dificultades de la clase trabajadora, pero también enfrentó críticas por su visión pesimista de la situación. 

9. "Car Wash Blues" - Jim Croce | Álbum: "I Got a Name" (1973) 

"Car Wash Blues" de Jim Croce es una canción nostálgica que narra las experiencias de un hombre trabajando en un lavado de autos. Aunque no fue censurada, la canción ofrece una mirada melancólica a la rutina diaria y las luchas de la clase trabajadora. 

10. "Factory of Faith" - Red Hot Chili Peppers | Álbum: "I'm with You" (2011) 

"Factory of Faith" de Red Hot Chili Peppers es una canción que habla sobre la fe y la redención en el contexto del trabajo. Aunque no fue censurada, la canción ofrece una perspectiva única sobre el trabajo y la espiritualidad, y es una adición interesante a la lista de canciones dedicadas al trabajo en el rock.

Conclusión 

Estas diez canciones son solo una muestra de la rica tradición de canciones de rock dedicadas al trabajo. Desde narrativas personales hasta críticas sociales, estas canciones capturan la esencia del trabajo y las experiencias de la clase trabajadora. 

En este 1 de Mayo, Día Internacional del Trabajo, no hay mejor manera de celebrar que escuchando estas canciones que honran la labor de millones en todo el mundo.

US Festival: el hito musical de los años 80

US Festival en 1982

Steve Wozniak jamás imaginó que la idea de un concierto que combinara tecnología y espectáculo con los artistas del momento marcaría un antes y después en la historia de la música estadounidense.

Era el año 1969, cuando la Guerra de Vietnam convulsionaba a los Estados Unidos en sus cuatro puntos cardinales: Nueva York hacia Los Ángeles; y desde Miami hasta Seattle.

La juventud rebelde de aquella época, que salió a las calles para rechazar la incursión bélica en ese país de la península indochina, dejó su sello en la cultura popular.

Hippies pregonando amor libre. Feministas atacando a la opresión de la mujer. Homosexuales ampliando el horizonte de la sexualidad. Negros alzando la voz contra la segregación y rockeros emergiendo como artistas flemáticos, fueron las piezas perfectas para llevar a la música al punto más alto del olimpo de las artes.

Y se hizo la luz… surgió Woodstock: un festival de arte y música realizado durante 3 días en Bethel, una granja ubicada en el condado de Sullivan, estado de Nueva York.

En la tarima se presentaron artistas como: Jimmi Hendrix, Joe Cocker, Jefferson Airplane, Santana, The Who, Joan Baez y otros.

Este evento se consolidó como el ícono de la contracultura de los años 60 y un hito en la historia estadounidense del siglo XX.

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Después del mítico Woodstock, pasaría más de una década para que se realizara un concierto de tal magnitud en los Estados Unidos.

Y se asomaron los años ochenta. El ocaso de la Guerra Fría, la llegada de Ronald Reagan a la Casa Blanca y la generación de MTV se alistaba a dar un gran paso en la cultura pop gracias a la música con un aderezo visual llamado videojuegos.

Apple II. Foto: archive.org

El momento perfecto que vio Steve Wozniak para revivir un poco del espíritu de los años sesenta. El cofundador de Apple, quería encender a una nueva generación organizando el evento de rock más espectacular de la historia, como señala el portal Los Ángeles Magazine en su artículo The Music Festival That Time Forgot: Inside Steve Wozniak’s US Fest.

El cofundador de Apple tuvo la idea mientras escuchaba la radio al volante de su coche. Pensó en organizar un gran festival que fusionara música y tecnología.

Wozniak: el cerebro de ascendencia polaca

Como señala el portal Ventura Divulgación, a mediados de la década de los setenta los ordenadores Apple I y II eran un éxito de ventas. Todas las empresas querían tener esas computadoras en sus oficinas.

Apple II fue el ordenador más vendido en el mundo entre finales de los setenta y principios de los ochenta.

La compañía fundada por un visionario llamado Steve Jobs, tenía en su equipo al ingeniero de ascendencia polaca Steve Wozniak. Un diseñador de estas innovaciones tecnológicas.

Wozniak, como señala Ventura Divulgación, utilizó parte de su millonaria fortuna para poner en marcha un proyecto que tenía que ver con su otra pasión: el rock.

También involucró a Bill Graham y su empresa Bill Graham Presents, la cual había estado presentando espectáculos de rock desde mediados de los años sesenta, para manejar el trabajo pesado.

Reseña de prensa sobre US Festival 1982. Foto: archive.org

Así, nacería la logística de uno de los eventos más importantes de la historia de la música: el US Festival, que tuvo dos ediciones, en 1982 y 1983.

Organización y cartel de artistas en US Festival

El lugar escogido para la realización del US Festival fue en un prado ubicado cerca a San Bernardino, California.

El terreno verde se extendía hasta las colinas. Tenía dos pequeños lagos. Sitio perfecto para pasar tres días disfrutando de la música y durmiendo en carpas.

Wozniak no reparó en gastos. En las 500 hectáreas que ocupó el festival había todo lo necesario para el concierto.

Un hospital de campaña, un camping con aire acondicionado, un helipuerto, baños, duchas gratuitas, teléfonos públicos, tiendas de comida rápida y bebidas. Todo al aire libre.

Cabe destacar que para este evento se logró una conexión satélite que transmitió el concierto en la televisión pública de la extinta URSS.

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Empezaba el US Festival

Viernes: crudo punk con new wave

El 3 de septiembre de 1982 comenzó la fiesta. Alrededor de 425.000 personas arribaron el primer día a San Bernardino.

Durante tres días se viviría de forma ferviente el evento entre las montañas del estado de California.

La apertura sería con la banda neoyorquina The Ramones. Éxitos como I wanna be sedated y Blitzkrieg Bop fueron cantadas a todo pulmón por el vocalista Joey Ramone quien haría delirar al público.

Seguido tocarían las agrupaciones más importantes del new wave: Talking Heads y The B-52's. Horas después se presentarían otros artistas emergentes como Oingo Boingo, The English Beat y Gang of Four.

The Police. Foto: archive.org

La jornada cerraría con The Police, banda liderada por el cantante Sting. Cantarían éxitos como So Lonely, Walking On The Moon, Roxanne y otros.

Cabe señalar que desde el primer día del evento se contó con una feria tecnológica.

Apple, Atari, Fox Video Games y Quantel Computers fueron las compañías participantes. Presentaron al público lo último en ordenadores, sistemas operativos, ciencia ficción y videojuegos.

Publireportaje a Atari. Foto: archive.org

Un dato no menor fue que entre Wozniak y Graham hubo una discusión debido a que el cofundador de Apple autorizó que sus amigos salieran al escenario a presentar a sus artistas preferidos, lo que ocasionó retrasos en el cronograma.

Día 2: sobredosis de hard rock

El segundo día dio paso al rock más puro y duro de la época.

La cantautora Pat Benatar tendría una recordada presentación cantando sus grandes éxitos del momento.

The English Beat. Foto;: archive.org

Por otro lado, el público asistente al escenario californiano también disfrutó a los artistas Eddie Money, The Cars, Joe Sharino Band, el galés Dave Edmunds, Santana y The Kinks.

En este segundo día cerraría Tom Petty and the Heartbreakers.

Día 3: el folk rock como sentimiento nacional y clausura

Dos días y dos noches que sumaban 48 horas no serían suficientes para los organizadores y el público.

Al tercer día abrió la banda The Grateful Dead, famosos desde el lejano 1965.

Luego subirían al escenario otros artistas como Jackson Browne, Jimmy Buffet y Jerry Jeff Walker.

El telón caería con la presentación de Fleetwood Mac. El gran grupo del mítico batería Mick Fleetwood y la vocalista Stevie Nicks, tuvo el honor de dar el cierre al US Festival 1982, y lo hicieron tocando todos sus éxitos como Dreams, Don’t Stop, Rihannon, Gypsy, Songbird y otros.

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Con saldo en rojo: cifras finales del primer US Festival

US Festival edición 1982 se recuerda por haber sido uno de los mayores fracasos económicos de la historia de la música.

Foto: archive.org

Según Ventura Divulgación, Steve Wozniak como principal inversor perdió la onerosa suma de 12 millones de dólares.

Los organizadores sostuvieron en muchas ocasiones que el dinero no era prioridad. No obstante, para la prensa especializada fue duro asimilar que tanto despliegue de medios y de presupuesto y un cartel tan completo y de calidad, no hubiese podido conseguir grandes utilidades económicas.

Además del descalabro financiero, un dato no menor fue que los primeros días de aquel mes de septiembre de 1982 fueron muy calurosos.

El promedio de la temperatura durante las tres jornadas fue de 40º C, y alrededor de dos mil personas tuvieron que ser atendidas por los servicios sanitarios (muchos de ellos por consumo de drogas).

Foto panorámica de US Festival 1982. Foto: Wikicommons

En los tres días del evento hubo más de 100 arrestos, 35 sobredosis y dos muertes (accidente de tránsito y asesinato).

Terminaba así la primera edición del US Festival que había sido todo un fenómeno cultural para la generación de jóvenes de finales de los setenta y principios de los ochenta.

Pese a que la edición 1983 tuvo un día adicional y amplió el cartel de artistas en escenas, el US Festival 1982 que fue considerado como "el mayor evento cultural de la década" para la crítica especializada.

En el año 2017, se estrenó el documental The US Festival 1982: The US Generation Documentary. Un filme dirigido por Glenn Aveni que contó con la participación de los involucrados en aquel evento como Steve Wozniak, Stewart Copeland, Kate Pierson, Andy Hertzfeld y otros.

Foto: Unplash

Puede que el US Festival no haya tenido la misma influencia que Woodstock, pero sí marcó un hito en organización y dejó la vara alta para que eventos de la misma magnitud pudieran tener mejor sonido, optimizaran las líneas de visión, ampliaran las opciones de menús y miraran otros aspectos logísticos que antes no se tenían en cuenta.

Elementos importantes que hoy día son comunes en festivales como Rock In Río, Live Aid, Coachella y Lollapalooza. Más que un concierto, ahora significa para el público asistente vivir una experiencia única.


REFERENCIAS

El Correo. Cuando el fundador de Apple perdió 20 millones de dólares. https://www.elcorreo.com/vizcaya/ocio/201402/08/sabado-soniquete-us-festival.html . Extraído el 25 de agosto de 2021

Ventura Divulgación. El concierto más grande más desconocido: The US Festival. https://vaventura.com/cultura/musica/the-us-festival-1982-1983/ Extraído el 24 de agosto de 2021

Los Angeles Magazine. The Music Festival That Time Forgot: Inside Steve Wozniak’s US Fest.

 https://www.lamag.com/mag-features/steve-wozniak-us-fest/ . Extraído el 25 de agosto de 2021

IMDB. The Us Festival 1982: The US Generation Documentary. 2017. Extraído el 25 de agosto de 2021 

Bonzo Goes to Bitburg: una polémica hecha canción

Bonzo Goes to Bitburg

La historia detrás de la canción Bonzo Goes to Bitburg de The Ramones, que terminó titulándose My Brain Is Hanging Upside Down, debido a la presión ejercida por uno de sus integrantes.

¿Cuál fue el hecho político que inspiró esta canción? ¿cómo un grupo de punk con tendencia alusiva a la derecha estadounidense terminó siendo crítico de la administración Reagan? ¿Qué motivó a Johnny Ramone a no participar en el proceso creativo?  

Make Great America Again

Ronald Reagan, previamente a llegar a la Casa Blanca, fue un actor medianamente reconocido. Sus películas nunca fueron clásicos del séptimo arte porque se asociaban al “Cine B”. Alcanzó notoriedad como sindicalista, después fue gobernador del estado de California y luego senador.

Afiche de película. Actúa Ronald Reagan

Reagan logró la victoria en las elecciones presidenciales de 1980, apelando al orgullo nacional americano que se había perdido en esos años con la impopularidad de la administración de Jimmy Carter, la dolorosa derrota en la Guerra de Vietnam y el escándalo de Watergate.

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Su programa de gobierno se cimentó en una política económica de mercado libre, fortalecimiento militar y una política exterior sólida para hacerle frente al comunismo. El liderazgo y retorno de la confianza del estadounidense promedio hacia las instituciones, le brindó una reelección sin complicaciones en 1984.

Portada de un diario británico sobre la visita de Reagan a Bitburg

El 5 de mayo de 1985, el primer mandatario estadounidense viajó a Alemania para asistir a la 11ª Cumbre de Bonn con motivo del 40 aniversario del final de la Segunda Guerra Mundial.

En el marco de esta conmemoración, el presidente estadounidense acompañó al Canciller de Alemania Occidental Helmut Khol al cementerio de Bitburg, una población situada a unos 150 km de la capital alemana. El acto se enmarcaba en un homenaje a las víctimas del nazismo, pero ambos mandatarios terminaron haciendo una ofrenda floral en el lugar donde había enterrados miembros de las Waffen-SS, el cuerpo de combate de élite del ejército nazi.

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La cifra: cuarenta y nueve miembros de las SS estaban enterrados en el cementerio, algunos de los cuales cometieron los asesinatos de prisioneros de guerra estadounidenses. 

Esto causó indignación no solo entre la comunidad judía, sino también entre los ex soldados estadounidenses. Reagan dijo de los soldados que estaban "las víctimas del nazismo también... reclutadas al servicio para llevar a cabo los odiosos deseos de los nazis”. 

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El hecho tampoco pasó desapercibido para The Ramones, quienes tenían a dos integrantes relacionados con hechos macabros como El Holocausto y la Segunda Guerra Mundial.

Un hijo de militar, un judío y un bajista

Joey Ramone, de ascendencia judía e indignado por la visita de Reagan, Dee Dee Ramone quien creció en una base militar estadounidense en Alemania y el bajista de Plasmatics, Jean Beauvoir, escribieron la canción en protesta que fue lanzada, excepto en Estados Unidos, por el sello discográfico independiente Beggars Banquet en junio de 1985.

"Bonzo" se refiere al chimpancé en las dos películas Bedtime For Bonzo (1951) y Bonzo Goes To College (1952) que Reagan protagonizó durante su carrera como actor.

La letra original tenía como título Bonzo Goes To Bitburg, pero el guitarrista Johnny Ramone lo rechazó debido a su estricto enfoque conservador y su total apoyo al presidente Reagan. 

La canción fue la clara respuesta del grupo ante esta visita que causó tanta polémica en Estados Unidos. My Brain Is Hanging Upside Down (Bonzo Goes to Bitburg) fue premiada como mejor canción single en los New York Music Awards de 1985. Este reconocimiento sirvió para que los rebeldes de Queens escogieran a Jean Beauvoir como productor del álbum anteriormente mencionado.

Portada del álbum Animal Boy (1986)
Cabe destacar que The Ramones incluyó dicho tema en el álbum Animal Boy, retitulado como My Brain Is Hanging Upside Down (Bonzo Goes to Bitburg) que salió al mercado en 1986. Esta vez sí se podía adquirir en Estados Unidos. Grabado en los estudios Intergalactics de la ciudad de Nueva York.

La portada estuvo a cargo de George Dubose, quien tomó la foto de un chimpancé llamado Zippy que se colgaba en los brazos del baterista Richie Ramone. Zippy aparecía en el programa de televisión de David Letterman y habitaba en el zoológico del Bronx. Este álbum incluyó canciones como: She Belongs To Me, Mental Hell y Something To Believe In, entre otros.

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Huella y camino

En una entrevista de televisión citada por el portal Nación Rock, Marky Ramone fue consultado al respecto:

“- Periodista: En 1985 los Ramones criticaron a Reagan con el tema Bonzo Goes to Bitburg. ¿Qué opinan de la actualidad de su país con Bush como presidente?

- Marky Ramone: “A mí y a Joey no nos gusta, a Johnny y a CJ sí. Lo que vemos es que desde el gobierno de Reagan hasta nuestros días el país se ha ido desmoronando. Demasiados escándalos financieros, gente sin hogar, desocupados, déficit… Todo empeoró desde que ellos tomaron el poder. Realmente esperamos que Bill Clinton gane las próximas elecciones”.

My Brain Is Hanging Upside Down (Bonzo Goes To Bitburg) hizo parte del soundtrack en School of Rock (2003) protagonizada por el actor y fanático del género, Jack Black. Es uno de los himnos rockeros forjado hace décadas que ha trascendido de generación a generación.

The Ramones se retiraron de los escenarios en el año 1996 luego de una gira mundial. En 2002, ingresaron al Salón de la Fama del Rock N’ Roll. Sólo tres de sus ex integrantes (Richie, CJ y Marky) siguen vivos y activos en la industria de la música.


 


REFERENCIAS

Biografías y Vidas. Reagan. https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/reagan.htm. Extraído 05 de febrero 2021.

Chelsea Hotel. BONZO GOES TO BITBURG. https://chelseahotel.blog/bonzo-goes-to-bitburg/. Extraído el 05 de febrero de 2021

Gobello, Marcelo. The Ramones: demasiado duros para morir. (2017). Ediciones Corregidor.

Nación Rock. Cancionero Rock: “Bonzo Goes to Bitburg” – Ramones (1986). https://www.nacionrock.com/the-ramones-bonzo-goes-to-bitburg/. Extraído 05 de febrero de 2021

Young, Alex. Consequence: Rock History 101: "Bonzo Goes To Bitburg" de los Ramones. https://consequenceofsound.net/2008/06/rock-history-101-bonzo-goes-to-bitburg/. Extraído 05 de febrero de 2021

Bubblegum music: el subgénero efímero del rock

 

bubblegum music en el rock

Bubblegum music fue un fenómeno dentro de la industria musical que surgió a mediados de los años 60 y finalizó a principios de los 70, dejando una huella imborrable no sólo en el rock sino en la cultura popular.

Lo anterior nos arroja una serie de interrogantes como: ¿qué hizo esta ola musical para quedarse entre nosotros? ¿por qué eran pegajosas sus canciones? Y ¿cómo influyó en las bandas de rock?

A continuación, un repaso sobre la historia del bubblegum music

Antecedentes del subgénero bubble gum 

Para algunos críticos especializados como el periodista y crítico estadounidense Lester Bangs, citado por Gobello (2017), este fenómeno tuvo sus orígenes “en los acordes primitivos de canciones como La Bamba de Ritchie Valens, Louie Louie de Los Kingsmen y You Really Got Me de The Kinks”.

Considerada como la prima hermana del punk – garage, bubblegum music (música de goma) fue fruto de un interés netamente comercial.

Neil Bogart. Foto: Discogs

Uno de sus principales artífices fue el productor Neil Bogart, presidente del sello Buddah Records, quien aprovechó su creatividad para llegar a los adolescentes de la época sin poder adquisitivo y ‘contagiados’ por el fenómeno de la Invasión Británica (surgida por The Beatles) y de grupos californianos como The Beach Boys en aquellos años 60.

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Bogart, quien fue productor de grupos como KISS y Village People, viendo el éxito de bandas californianas como The Monkees (invención de la cadena NBC) y Tommy James & The Shondells gracias a canciones como Mony Mony creó grupos “fantasmas” como Ohio Express, 1910 Fruitgum Co. y Crazy Elephant. Junto a sus colegas Jerry Kasenetz y Jeff Katz y varios músicos de sesión, se grabaron éxitos como Yummy Yummy, Indian Giver, Gimme Gimme Good Lovin’ y Sweeter Than Sugar.

Bangs, citado por Gobello (2017) calificó a este subgénero como un compilado “canciones de cuna con ritmo de rock”.

Artistas destacados del bubblegum también fueron: Middle of the Road, Donny Osmond, The Partridge Family y The Osmonds

La cima del bubble gum 

Según el periodista argentino Marcelo Gobello, el género llegaría a su máximo logro con la canción Sugar Sugar de The Archies, el cual encabezó la lista de éxitos musicales de 1969 en Estados Unidos. Cabe destacar que los músicos de sesión – el cantante fue Tommy Roe - en esta canción pretendían personificar a los personajes de un destacado cartoon de la época llamado Archies.

Ese mismo año, también la canción Gimme Gimme Good Lovin’ producida por Joey Levine sonó en Reino Unido y Estados Unidos. 

No obstante, en 1968 la canción Yummy Yummy de Ohio Express estuvo en las 10 primeras canciones más sonadas en las estaciones radiales de Estados Unidos y Reino Unido.

Es decir, dominaron la escena musical al final de aquella década que marcó un antes y un después para la humanidad.

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Otras canciones como Simon Says, Happy Together, Lay a Little Lovin’, Little Willy y entre otras, fueron éxitos radiales durante esa efímera fiebre musical.

Influencia del bubble gum en la cultura pop

No es caprichoso afirmar que bubblegum music escribió su historia en el rock sobre el mármol más macizo y prueba de ello es que su huella aún perdura.

Miembros de la banda B-52s. Foto Twitter

Este subgénero influenció a icónicas bandas de rock como The Ramones, Blondie, B-52s, The Clash, The Stoges, MC5 y The New York Dolls que iniciaron su protagonismo en la escena musical a partir de los años 70.

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También a grupos como Boney M, Menudo, Funkytown y otros. 

A finales de los años 90 aparecen experimentos similares como Barbie Girl del grupo Aqua que llegó a conocerse como bubblegum dance. También tiene influencia en los fenómenos teen pop que tuvieron amplia difusión a principios del año 2000.

En el cine y la televisión, estas canciones han servido como temas para series, películas y comerciales que representan diversas situaciones (generalmente parodias o gags). 

Sin duda alguna, el fenómeno bubblegum music es un enclave sonoro y comercial a la hora de hablar sobre la cultura pop y sus vertientes.

 

REFERENCIAS

Discogs. Bubblegum.

www.discogs.com

Gobello, Marcelo. The Ramones: demasiado duros para morir. (2017). Ediciones Corregidor.

Post Journal. Write Now: Bubblegum Music Always Has A Special Place. https://www.post-journal.com/life/arts-entertainment/2020/08/write-now-bubblegum-music-always-has-a-special-place/

Tipos de música. Bubblegun.

https://tiposdemusica.com/bubblegum/

Top 11 Bubblegum Pop Songs

https://www.rockcellarmagazine.com/top-11-bubblegum-pop-songs/

Audioslave en Cuba: la historia


Audioslave en Cuba

El 6 de mayo de 2005, una llama de fuego como símbolo de su primer disco lanzado en 2002, decoraba el escenario donde se presentaría la banda norteamericana que por primera vez pisaba suelo cubano: Audioslave.

Compuesta por 3 de los ex miembros de Rage Against The Machine (Tom Morello, Tim Commeford y Brad Wilk) y el ex vocalista de Soundgarden (Chris Cornell), el cuarteto se propuso romper paradigmas dando un masivo show en Cuba, como jamás se había realizado y así convertirse en el primer grupo de rock estadounidense en tocar en la cuna de artistas como Celia Cruz, Ibrahim Ferrer, Celina González, Dámaso Pérez Prado y otros.

Este concierto sucedió 24 años después de la presentación del grupo de ska y reggae Fabulous Titans en 1981, quien fuese la primera agrupación estadounidense que tocó en la isla mayor de las Antillas.

Antecedentes antes de la llegada de Audioslave en Cuba


El 3 de febrero de 1962 el entonces presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy, firmó la Orden Ejecutiva Presidencial 3447 con la que implantó formalmente el bloqueo económico, comercial y financiero contra la isla de Cuba.

Desde esa fecha la mutua desconfianza de los países, sumada a las constantes crisis diplomáticas como el fallido desembarco en Bahía Cochinos y el lío de los misiles, alejaron a Cuba de la escena de rock.

Además, la prohibición para los estadounidenses de viajar a la isla, eliminó toda posibilidad de conciertos de bandas que habitualmente giran por el mundo.

Manic Street Preachers (izquierda) y el dictador Fidel Castro (derecha). Créditos: Plásticos y Decibelios

También el dictador Fidel Castro – fallecido en noviembre de 2016 – observaba el rock como una amenaza para su modelo político y la encarnación de los decadentes valores de occidente.

No obstante, la ‘reapertura’ llegó  primero con la instalación de un monumento en homenaje a John Lennon en el año 2000 y años después, con un concierto de la banda británica Manic Street Preachers (con el líder de la revolución cubana en primera fila del teatro Karl Marx) en 2001.

Manic Street Preachers. Tomada de Google

Esta última agrupación dedicó una portada del álbum Know Your Enemy (2001) al pueblo cubano (con la bandera ilustrada y sin la estrella blanca) e incluyó la canción Baby Elián dedicada a Elian González.


Audioslave: Live in Cuba

Para conseguir el permiso, el Departamento del Tesoro de los Estados Unidos les habilitó una visa y en Cuba el Instituto Cubano de Música aprobó el concierto.

El objetivo, en palabras del guitarrista Tom Morello, era "acercar a los dos países a través del arte y de la música". 

La agrupación tocó al aire libre en un show gratuito en La Habana frente a 50 mil personas. Lugar: La Tribuna Anti-Imperialista en el Malecón de la capital cubana, donde – curiosamente – se llevaron a cabo muchas protestas contra el país norteamericano durante el polémico caso de El Balserito.

Audioslave llevó su propio equipo de grabación para registrar el evento. La banda estuvo dos días en la isla y se gastó un millón de dólares para poder realizar el show.

Los miembros del cuarteto estadounidense visitaron galerías de arte, estaciones de radio, teatros y escuelas de música. Una funcionaria del gobierno estadounidense acompañó al grupo y su equipo mientras filmaban imágenes para el concierto y documental Live in Cuba.

Lo que vino después del concierto de Audioslave en Cuba


Audioslave en Cuba. Captura: Youtube

Después del histórico concierto de mayo de 2005, se lanzó una grabación en DVD en vivo del show de Audioslave en La Habana, titulado Audioslave - Live in Cuba.

Canciones como Like A Stone, Gasoline, Black Hole Sun, Cochise, Set It Off y otras, se cantaron en aquel mítico recital donde la música fue el único idioma.

En 2016, 11 años después de aquel concierto en tierras cubanas, Chris Cornell conversó con The Associated Press (AP) y recordó: "Del lado estadounidense, definitivamente hubo mucho cuidado. Nos dijeron que probablemente habría micrófonos ocultos en nuestros cuartos, que probablemente nos seguirían (…) que no habláramos con extraños".

Además comentó  en ese entonces sobre la visita que hicieron a la isla: “No fue fácil… pero descubrimos cómo hacerlo”.  Además se refirió al concierto gratuito que los Rolling Stones realizaron en marzo de ese año en la Ciudad Deportiva de La Habana y la posibilidad de que otras bandas visiten al país antillano.

El cantante estadounidense que quería regresar a Cuba, aunque lo había intentado hace 5 años sin tener éxito.

"De verdad ya no pensaba del mismo modo cuando me fui...realmente entendí lo que es la música y cómo es ese lenguaje que todo el mundo habla, sin importar qué otro idioma audible se hable" señaló Cornell sobre el impacto que tuvo en su vida aquella presentación en el país antillano.

A finales de 2014, los ex presidentes Barack Obama y Raúl Castro inician un nuevo camino en las relaciones diplomáticas entre los Estados Unidos y Cuba, a partir de un rol protagónico del Papa Francisco, para comenzar acercamientos y generar nuevos debates sobre un posible fin al vigente bloqueo de Washington a La Habana.

Años después, se expanden las fronteras culturales para los gobernados por el régimen castrista. La embajada de EE.UU. se instaló en el país y las relaciones soltaron la tensión como nunca antes, hasta la culminación del mandato de Barack Obama y la llegada a la presidencia de Donald Trump en EE.UU, quien volvió a “congelar” los lazos diplomáticos.

En 2018, Raúl Castro se retira como presidente y su reemplazo fue Miguel Díaz Canel.


Ruptura y reencuentro musical de Audioslave


En 2007, Chris Cornell abandonaba la banda y ésta terminaría por disolverse. Diferencias artísticas y personales fueron las causales de la separación musical.

En 2014, Tom Morello y Chris Cornell compartieron tarima en un show benéfico. Años más tarde, Cornell cantaría junto a sus ex compañeros en un concierto que se hizo en paralelo a la posesión del presidente Donald Trump en enero de 2017.

Sería la última vez que los miembros de la desaparecida Audioslave tocaban juntos. Meses después, Chris Cornell se suicida en una habitación de hotel en Detroit (EE.UU) horas después de una presentación con Soundgarden.


Ecos y actualidad de los ex miembros de Audioslave


"Ninguno de los seguidores del movimiento grunge que creció en la Cuba de la década de 1990 podría haber imaginado que podría ver a este héroe del rock en vivo", escribió Michel Hernández en español en el sitio web de la revista de música  de La Habana Vistar sobre la visita de Chris Cornell.

Antonio Moutor, creador del webzine Mautorland, señala: “La música abre fronteras, y el mérito de Audioslave por ser los pioneros en hacer este evento en Cuba, es digno de ser resaltado y recordado por mucho tiempo”.

Tras la muerte de Cornell en 2017, sus ex compañeros Morello, Commeford y Wilk (quienes formaron un esporádico proyecto llamado Prophets Of Rage) decidieron reintegrarse a Rage Against The Machine y han anunciado una gira mundial en 2020.

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En 2019, La Tribuna Antimperialista fue restaurada. Esto se debió a que presentaba graves deterioros en su infraestructura. En este lugar también se han realizado destacados conciertos musicales como los de Manu Chao, Air Supply, Calle 13, Olga Tañón y otros.

Quince años después de aquel concierto, muchos almanaques han sido tachados pero se siguen y se seguirán escribiendo historias singulares sobre lo que significó para el rock aquel evento que se coordinó entre dos países con latentes discordias diplomáticas y sempiternos lazos culturales.

REFERENCIAS


Billboard. Cuba Remembers Chris Cornell as a 'Rock Hero' After Historic 2005 Audioslave Concert in Havana. https://www.billboard.com/articles/columns/latin/7800907/cuba-remembers-chris-cornell

CULTO. LA TERCERA. Audioslave: la cita del rock en Cuba. 

Cubadebate. Chris Cornell recuerda el viaje de Audioslave a Cuba y aconseja a los Rolling Stones. http://archivo.diariodecuba.com/cultura/1457828771_20886.html


Generación B. El día que Audioslave esquivó el bloqueo a Cuba. http://www.generacionb.com/el-dia-que-audioslave-esquivo-el-bloqueo-a-cuba

Nación Rock. Conciertos que hicieron historia: Audioslave y el primer concierto de rock en Cuba- 2005. https://www.nacionrock.com/conciertos-que-hicieron-historia-audioslave-y-el-primer-concierto-de-rock-en-cuba-2005/

Plásticos y Decibelios. MANIC STREET PREACHERS RECUERDAN QUE TOCARON EN CUBA ANTES QUE LOS ROLLING STONES. https://www.plasticosydecibelios.com/manic-street-preachers-recuerdan-tocaron-cuba-los-rolling-stones/

Quarter Rock Press. Chris Cornell Y Su Mítico Concierto Con Audioslave En Cuba. http://www.quarterrockpress.com/index.php/qrp-live/item/8812-chris-cornell-y-su-mitico-concierto-con-audioslave-en-cuba

Mautorland. Activismo Sonoro: Audioslave y su histórico concierto en Cuba. https://www.mautorland.com/activismo-sonoro/activismo-sonoro-audioslave-y-su-historico-concierto-en-cuba/


Tone and Wave. Fabulous Titans - Rico's Lament 7" (1982). http://toneandwave.blogspot.com/2010/11/fabulous-titans-ricos-lament-7-1982.html